Tecido com estampas de flores, folhas ou buquês. Nos usamos, as nossas avós usavam... Mas quando é que estes tecidos surgiram?
Obviamente, há muito tempo. Estampas e ornamentos florais eram um enfeite comum desde sempre. O que variava era o estilo.
Flores de lótus no Egito Antigo, folhas de palmeira, na Grécia, vinhas estilizadas, tulipas e rosas, na Europa Renascentista... Guirlandas de flores nas barras, entrelaçamento de folhas e caules grandes, ou, pelo contrário, bem miúdos, cobrindo todo o tecido.
Podemos ver pequenos grupos de ornamentos florais espalhados pelo tecido nos quadros de Botticelli, por exemplo "Nascimento de Venus" - a minfa que estende o manto para Venus - também com florzinhas. Ou Flora, em "Primavera".
Até o século 18, ornamentos que cobriam quase todo o tecido eram mais populares. Por exemplo, na Inglaterra, país onde os jardins são parte inerente da cultura, justamente estes eram os favoritos. Mas não se limitavam a isso, variando de pequenos galhos até verdadeiros arbustos com flores bem grandes.
É curioso que, apesar da grande variedade de flores nos seus jardins, os ingleses preferiam tecidos com flores bastante estilizadas, e de algumas poucas espécies: cravos, tulipas, lírios, rosas e jacintos.
Nas primeiras dezenas do século 18, tudo muda. Vestidos volumosos, mas delicados, feitos de seda fina, exigem estampas não menos delicadas. O que pode ser melhor que pequenas flores?
As estampas tornam-se mais realistas, as flores, mais reconhecíveis. E, em algumas amostras de sedas, podemos contar mais de quarenta espécied de flores diferentes.
Se prestarmos atenção, podemos perceber o quão fino é o trabalho, todos estes buquês e folhagens. Como estão bastante espalhados pelo fundo claro, o tecido parece incrivelmente leve e festivo.
Anna Maria Garthwaite trabalhou na Inglaterra, na segunda metade do século 18. Ela desenhou um imenso número de estampas para tecidos de seda, e alguns dos seus desenhos sobreviveram, felizmente, até hoje. Se, até então, a moda inglesa era fortemente infuenciada pela França, agora, um estilo próprio havia se desenvolvido.
Além dos próprios ornamentos, desenvolvem-se também as tecnologias de sua crianção. Podem ser bordados ou tecidos, as vezes de forma extremamente complexa.
Mas o resultado é caro, e as mulheres menos abastadas também querem estar na moda. Então, surgem ornamentos estampados: basicamente, impressos ou pintados no tecido.
Tecidos pintados a mão surgiram na Europa no início do século 17, quando o comércio com a Índia começou a se desenvolver. E a arte de pintura em tecido havia sido desenvolvida ali por milênios. Tecidos leves e coloridos, que não desbotavam, se tornam extremamente populares.
Tecidos pintados a mão são caros, e as estampas começam a ser impressas com ajuda de tábuas entalhadas e pintadas. A impressão havia se desenvolvido o suficiente para permitir imitar, not tecidos de algodão, os elegantes desenhos dos tecidos de seda.
No início do século 19, estas técnicas se aperfeiçoam ainda mais, permitindo realizar em minutos o trabalho que levava horas. Além disso, se antes usavam-se corantes naturais, muito caros, novos materias passaram a ser usados, tornando tecidos estampados acessiveis a todos.
E as flores continuam sendo populares. Estampas florais são incorporadas, agora, ao dia a dia.
Não só nos vestidos... Homens usam coletes com flores estampadas ou bordadas, as flores tomam conta dos forros dos moveis, das roupas de cama e de mesa.
Tecidos floridos são tão acessíveis que a estampa de flores miudas cobrindo todo o tecido pasa a ser chamada de "camponesa".
Um outro nome para tecidos com estampas florais é "liberty". A empresa textil inglesa com este nome surge na metade do século 19.
Se, no final do século 19 e início do século 20, seus tecido florais não são muito requisitados, em 1930, as flores delicadas sobre o fundo claro voltam com tudo. A estampa tradicional de Liberty torna-se popular e reconhecível, correspondendo ao desejo de feminilidade e suavidade no vestuário e aparência.
O céu pode ser muito diferente. Azul pálido ou mais forte. Turquesa
ao anoitecer... Há muitos tons de azul claro, mas este é, antes de tudo, a cor
do céu.
Ou a cor do segundo elemento, água.
Não é de se surpreender que ele entrou na história como a
cor do divino, da eternidade, do ideal, do mistério. Azul claro é uma cor
romântica e espiritual.
Tal como o verde, o azul é a cor da natureza.
Na Idade Média, o azul claro parecia meio apagado e sem
graça em comparação com tons mais fortes que estavam na moda, mas aos poucos as
pessoas começaram a valorizar a sua beleza. Roupas dos camponeses e capas dos
reis, vestidos do dia-a-dia e de gala, brasões dos cavalheiros, uniformes -
sempre há um cantinho para o azul claro.
No século 17, tornaram-se comuns quadros retratando senhoras
não em trajes de gala, mas em vestidos caseiros. O corpo revelado mais do que o
normal, e inúmeras dobras dos tecidos claros sublinhavam a beleza fora do tempo
e da época.
Às vezes, elas representavam deusas da mitologia grega ou
romana, outras, pastoras ou santas.
E, ao olhar para o retrato da nova amante do rei, cujos
ombros estavam envoltos em um manto azul claro, cor da Virgem, ou que estava
vestida de azul claro, cor da fidelidade, muitos refletiam sobre os pecados,
erguidos tão alto que se tornavam um mérito, não uma falta...
Se bem que outras damas usavam o azul inocente
merecidamente.
Homens também não faziam cara feia para essa cor. Casaco,
calças, laços da cor do céu produziam um belo efeito visual. Ah, e as capas
azuis dos mosqueteiros do rei?
O século galante, admirador de cores suaves e delicadas, foi
o ápice do azul no vestuário. Cavalheiros e damas de azul, vestidos, coletes,
forros, laços e fitas, chapéus...
Às vezes, vestiam-se de azul claro da cabeça aos pés, ou
adicionavam somente uma gotinha de azul.
O início do século 19 foi o reino do branco, e depois de
cores mais fortes, mas o azul claro não foi esquecido.
Nas décadas de 30 e 40, o azul era, ainda, uma das cores
mais populares. Vestidos de gala, forros, capas...
O azul claro adicionava alegria ao preto, digamos
"mantos de tafetá preto com forros de tecido azul ou rosa", ou talvez
um chapéu de seda preta com uma flor ou um laço azuis.
Os anos 50 não ficavam para trás: "vestido azul claro
de tecido chinês, com flores brancas miúdas, corpete a Luis XV. Na cabeça, um
pequeno enfeite de fitas azuis claras também".
Na década de 1860, acompanhando o desenvolvimento de
corantes artificiais, as roupas passaram a ter corres tão fortes que, de acordo
com um historiador, eram "não só berrantes, mas brigavam desesperadamente
entre si".
Podemos entendê-lo, quando se anda entre "vestidos
roxos roxos demais", "púrpuras ou vermelhos, como papoulas, e verdes,
cor da grama", a vista se cansa.
Mas havia uma cor que, por mais forte que fosse, não
irritava. Azul claro. Por mais intenso que fosse, ainda assim é agradável para
se olhar.
Emile Zola descreveu, em um dos romances, a Imperatriz
Eugenie, famosa beldade que ditava a moda na França: "Usava um vestido
simples de seda azul claro com túnica de rendas brancas. Ela caminhou
lentamente ao longo da linha de senhoras, sorrindo e balançando graciosamente o
pescoço nu, enfeitado somente com uma fita de veludo da cor do vestido com um
coração de diamante".
Eis um vestido de corte "princesa", cuja
proprietária estava vestida, certamente, de acordo com a última moda de 1878.
Sem dúvida, afinal o modelo recebeu o seu nome em homenagem à jovem princesa de
Wales, e o tecido azul claro com detalhes dourados também não deixa nada a
desejar.
Rosa e azul claro eram, no passado, uma combinação bastante
comum. Hoje em dia é um pouco arriscado, mas numa época em que vestidos eram
parecidos com sobremesas, era definitivamente bonito.
Emma, personagem do romance homônimo de Jane Austen, tentava
provar que "uma fita azul, mesmo que seja de beleza celestial, jamais vai
combinar com tecido amarelo". A jovem, sempre cheia de opiniões, errou
dessa vez: como sempre, tudo depende dos tons.
Azul claro e bege é uma versão ainda mais elegante.
No início do século 20, o azul claro, cor do ar e da água,
transformava mulheres em fadas.
O vermelho é simples.
Porque ele simplesmente e obviamente aparece no meio do que quer que
seja. E é complicado porque... Para começar, porque é dificil de escolher e o post ficou muito grande.
Confesso que nunca pensei que eu fosse postar imgens dessa pessoa no meu blog, mas enfim, princípios não devem atrapalhar o trabalho.
Um espécime curioso da joalheria do século 19, que deixa qualquer gótico de plantão babando de inveja.
As joias de ferro fundido começaram a ser confeccionadas por volta de 1806. Eram produzidas principalmente longas correntes. Mais tarde, começou-se a fazer colares de medalhões e outros objetos mais sofisticados.
A produção atingiu seu pico entre 1813 e 1815, quando a família real da Prússia pediu a todos os cidadãos contribuir com suas joias de ouro e de prata para custear a luta contra Napoleão. Ao doar objetos de valor, as pessoas recebiam em troca joias de ferro, principalmente broches e aneis, com inscrições como "Eu dei ouro por ferro" e "Pelo bem da nossa pátria".
Até então, joias de ferro eram usadas durante o luto (por causa da sua cor escura) e eram baratas demais para atrair os mais ricos, mas subitamente se tornaram símbolo do patriotismo e lealdade. E, além disso, as pessoas perceberam que estas joias eram bonitas, afinal. O ferro ficou popular de um dia para o outro.
Especialmente durante o período napoleônico, o estilo principal dessas joias era o Neo-clássico, incorporando réplicas de camafeus.
Mais tarde, se tornaram uma miniatura do revival Gótico, com inspirações nas catedrais medievais e em elementos da natureza, tais como folhas e borboletas.
Joias de ferro de Berlim têm uma aparência muito delicada, mas sempre parecem escuras e sombrias: eram cobertas de verniz negro para evitar a corrosão do ferro. Alguns exemplares eram decorados com ouro e prata.
